D.A

Arquitectura arte

2008-05-23T12:37:00.000-07:00

La arquitectura es el arte y la ciencia de diseñar edificios. En los siglos pasados, los arquitectos se ocupaban no sólo de diseñar los edificios, sino que también planificaban las ciudades o barrios, y diseñaban objetos de uso en los edificios, como los muebles. Hoy en día, los profesionales que proyectan el espacio urbano constituyen una especialidad dentro de la arquitectura, que se denomina urbanismo, en tanto que a los profesionales que crean muebles y otros objetos, se les conoce como diseñadores.

Según un tópico popular, en el tratado más antiguo que se conserva sobre la materia, "De Architectura", de Vitruvio, Siglo I a.d.C., se dice que la arquitectura descansa en tres principios: la Belleza (Venustas), la Firmeza (Firmitas) y la Utilidad (Utilitas). La arquitectura se puede definir, entonces, como un equilibrio entre estos tres elementos, sin sobrepasar ninguno a los otros. No tendría sentido tratar de entender un trabajo de la arquitectura sin aceptar estos tres aspectos.

Sin embargo, basta con leer el tratado para percatarse de que Vitruvio exigía estas características para algunos edificios públicos muy particulares. De hecho, cuando Vitruvio se atreve a intentar un análisis del arte sobre el que escribe, propone entender la arquitectura como compuesta de cuatro elementos: orden (relación de cada parte con su uso), disposición ("Las especies de disposición [...] son el trazado en planta, en alzado y en perspectiva."), proporción ("Concordancia uniforme entre la obra entera y sus miembros.") y distribución (en griego oikonomía, consiste "en el debido y mejor uso posible de los materiales y de los terrenos, y en procurar el menor coste de la obra conseguido de un modo racional y ponderado.").

Hay que darse cuenta de que sus dudas al respecto son bastante intensas, pues cuatro páginas más adelante divide la arquitectura en tres partes: Construcción, Gnómica y Mecánica. Por interesante y sugerente que sea, no debe olvidarse que este tratado es el único tratado clásico que nos ha llegado, y la probabilidad de que sea lo mejor de su época es pequeña.

La historia de las diversas versiones del tratado de Vitruvio resume bien el conflicto a la hora de definir la arquitectura. En 1674, Claude Perrault, médico fisiólogo, especializado en disección de cadáveres, buen dibujante, publica su traducción resumida del tratado de Vitruvio, que queda totalmente reorganizado. Sin embargo, va a ser a través del «resumen» de Perrault que Vitruvio va a ser divulgado y va a influir en los tratados y teorías de los siglos siguientes. Y es en ese resumen en el que la triada vitruviana va a ver la luz.

La diferencia sustancial entre la versión de Perrault y las anteriores radica, según José Luis González Moreno-Navarro, en que Perrault tergiversa "el carácter sintético de la arquitectura en una visión estrictamente analítica y fragmentada en tres ramas autónomas [lo que] es una consecuencia de su estructura mental [...] formada a lo largo de una vida dedicada al análisis de los organismos vivos, que evidentemente en ningún momento recomponía y volvía a dar vida".

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Planos de alzada

2008-05-23T12:17:00.000-07:00

Planos de alzada
Los planos de alzada se usan para calcular la superficie de las paredes de una habitación; hay que multiplicar la longitud por la altura de cada pared y sumar los totales. Esto dará las dimensiones básicas de la habitación.

Si no se dispone de ayuda, es mejor usar un par de listones de 2 m de longitud para medir elevaciones. Se apoyan los listones contra la pared, juntos; se separan verticalmente deslizándolos por la pared hasta que uno de ellos llegue al techo y el otro al suelo y a continuación se sujetan con firmeza en esa posición uniéndolos fuertemente entre sí con cinta adhesiva. A continuación se marca sobre los listones las alturas de cada uno de los elementos situados en la pared, se miden y se pasan al croquis de alzada.

Los planos definitivos
Se trasladan las medidas del croquis del plano de planta y de los planos de alzada al papel cuadriculado.

fuente http://www.publiboda.com/feng_shui/plano_casa.htm

DIBUJAR UN PLANO

2008-05-23T12:09:00.000-07:00

CONSEJOS PRÁCTICOS PARA DIBUJAR UN PLANO

Medir y pasar los resultados de su casa a escala en el momento de hacer la medición es mejor que llenar un papel de una masa de números que tendrá que desentrañar más tarde. Esto puede llevarle a confundir las medidas. Por lo tanto, para saber traspasar las medidas de su casa a papel siga los siguientes consejos prácticos:

Poner letras a cada parte: Pared de la puerta. "A" Siguiente a la derecha. "B" y así sucesivamente "C", "D"...

Para medir se irá de esquina a esquina de la pared. "A" ....(Pared que contiene la puerta) "B" "C" "D" (Se irá formando la figura con las medidas ofrecidas.)

Utilice un papel cuadriculado estándar de 2 y 10 mm. para dibuajar un plano Por ejemplo, una habitación de 5 m x 3 m cabe en una hoja de papel A4 si se usa una escala de 5 cuadrados pequeños que equivalen a 20 cm

Para superficies mayores, use una escala de 1 cuadrado pequeño equivalente a 10 cm.

Con papel cuadriculado de 5 mm, una habitación de 5 m x 3 m cabe en una hoja A4 si se usa la escala de 1 cuadrado equivalente a 10 cm.

Para superficies mayores, debe usarse una escala de 3 cuadrados equivalente a 1m.

Si la habitación tiene forma de L, se divide el plano de planta en dos rectángulos, se multiplica la longitud por la anchura de cada uno de los rectángulos y se suman las dos áreas obtenidas.

Debe anotarse la escala usada en cada plano que haga.

fuente http://www.publiboda.com

algunas web con planos y modelos de casas

plano

2008-05-23T12:05:00.000-07:00

¿Cómo hacer planos de planta?
El plano de planta se usa para calcular la superficie de suelos y techos. Para ello no hay más que multiplicar la longitud del suelo por su anchura. Con ello se realizará un croquis de planta. Con un medidor de ultrasonidos se pueden conocer las diferentes dimensiones de las habitaciones, de una manera rápida y exacta.

Se necesitará un bloc tamaño A4 con cuadrícula de 5 mm o papel cuadriculado estándar (2,10 y 20 mm), más otros papeles sueltos para anotaciones. Una cinta métrica metálica enrollable. Cuanto más larga sea la cinta, mejor, porque habrá que moverla menos veces y las medidas serán más exactas. Un lápiz, goma y regla. Una escalera o una silla robusta, dos listones de 2 m de longitud, cinta adhesiva fuerte y tiza para señalar las mediciones. Linterna de bolsillo para iluminar los rincones oscuros.

Para hacer un plano primeramente, hay que marcar la posición de puertas, ventanas, radiadores, enchufes, interruptores, chimeneas y cualquier otro elemento permanente. Se indica también en qué sentido se abren puertas y ventanas. Se acostumbra a dibujar en los planos de planta la situación de ventanas, radiadores, etc., aunque no estén a nivel del suelo.

En caso de que algo sobresalga de la pared, como por ejemplo la chimenea, la cinta métrica debe extenderse de un extremo a otro de la pared por delante del elemento, y anotar sobre el croquis las medidas en el siguiente orden: desde la primera pared a la chimenea, la anchura de la chimenea, desde ésta hasta la segunda pared y, por último, de pared a pared.

Debe comprobarse que la suma de las mediciones realizadas coincida con la longitud total de pared a pared. Sólo en caso de que se quiera empotrar un armario o estanterias se requeriría un plano más exacto.

fuente http://www.publiboda.com/feng_shui/plano_casa.htm

Planos de Casa

2008-05-23T11:48:00.000-07:00

algunas webs con planos de casas la mayoria esta en ingles

www.drummonddesigns.com/

http://www.casasconfortables.net/portada.htm

http://www.lajoya.ec/modelos_1.php

http://www.hpadesign.com/

http://www.allplans.com/

http://www.homeplaninfo.com/

http://www.planhouse.com/

http://www.design-house.com/

http://www.dreamhomesource.com/

http://www.coastalhomeplans.com/

http://www.panelconforthouse.com/casas2.html

http://www.designbasics.com/

http://www.jenish.com/

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http://www.architecturaldesigns.com/

http://www.houseplans.com/

http://www.theplancollection.com/

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http://www.architecturalhouseplans.com/

http://www.thehousedesigners.com/

http://www.dongardner.com/

http://propiedades.elmercurio.com/proyectos/_portada/ficha_producto.aspx?PIPR_ID=166

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http://www.brandlanderson.com/

si encuentra otra favor dejela en comentarios

El arte clásico

2008-05-22T09:28:00.000-07:00

El periodo clásico se desarrolla entre los siglos V y IV a.C.. En él, la escultura alcanza su máxima perfección. La preocupación fundamental es reproducir cuerpos perfectos en cuanto a las medidas, crear cánones de belleza formal. Supone un gran cambio respecto a las esculturas de la etapa anterior.

La evolución es enorme en cuanto al movimiento y la naturalidad. Los brazos se despegan del cuerpo, y el rostro pierde esa sonrisa arcaica y pasa a un segundo plano, inexpresivo. El artista se preocupa por reflejar la musculatura y el cuerpo en general del ser humano. Los autores principales son Fidias, Praxíteles, Mirón y Policleto. Fidias (Atenas,490 a.C., 431 a.C.), fue el artista más famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. La primera obra que se conoce de él es la Atenea Lemnia, una estatua de la diosa destinada a la Acrópolis de Atenas. En el 438 a.C. se consagró la Atenea Parthenos, la obra que le significó la fama. La patrona de Atenas está representada en esta estatua de nueve metros de altura como una diosa guerrera, con escudo y casco, preparada para la defensa de la ciudad. Fidias realizó también la famosa Efigie de Zeus, para el Santuario de Olimpia, incluida por los antiguos entre las siete maravillas del mundo. Era una estatua sedente del dios, de doce metros de altura, que destilaba grandeza y majestuosidad, y es conocida a través de reproducciones en monedas y joyas. Pero lo que engrandeció el nombre del artista ya en su tiempo y ha mantenido inalterada su fama a través de los siglos son las esculturas del Partenón. Finalizada la construcción del templo, Fidias y su taller se ocuparon de la decoración escultórica, que incluía un friso en bajorrelieve de unos ciento sesenta metros de longitud, dos frontones decorados con figuras exentas y noventa y dos metopas en altorrelieve.

CONCLUSIONES: INFLUENCIA DEL ARTE CLÁSICO EN LAS MANIFESTACIONES POSTERIORES. Es indudable que el arte clásico ha sido un referente de una envergadura enorme para todas las manifestaciones artísticas que le han sucedido. Es más, podemos considerar al arte clásico como el inicio deslumbrante del arte occidental, sobre el cual se ha construido toda una tradición artística de asombrosa genialidad. Vamos a ir viendo esa influencia con más detenimiento. Tras la caída del Imperio Romano de Occidente, las culturas germánicas y las naciones formadas en sus territorios hasta el fin de la Edad Media, siguieron utilizando las técnicas romanas de construcción, mejorándolas en ciertos puntos. Aprovecharon los grandes inventos latinos de la bóveda y el arco. Por ello, la Edad Media bebió directamente del arte clásico, pero no por convencimiento, digamos, sino por necesidad. Fue con el Renacimiento con el que se retomó el arte griego y romano por puro convencimiento y admiración por ellos. En arquitectura se empezaron a construir iglesias de estilo clásico, con la utilización de la bóveda a estilo del Panteón (Cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores de Florencia, de Bruneleschi; Basílica de San Pedro de Roma, de Miguel Ángel), y los arcos de medio punto. En escultura, no sólo se tomó el tema mitológico, sino también el afán de perfección clásico (Apolo y Dafne, de Bernini). Aunque en el Barroco se dejó de lado (no así en el caso de Velázquez), el arte clásico resurgió con fuerza en el Neoclasicismo, con un estilo oficial, dictado por Napoleón. Así se erigieron edificaciones como la Magdeleine de París, a estilo del Partenón y los templos romanos; y Les Invalides, a estilo del Panteón de Roma. En los movimiento artísticos posteriores, aunque no se obvió del todo, el arte clásico fue dejado un poco de lado. (Colaborador del articulo: Fernando Remiro, España )

fuente: http://www.arqhys.com/arquitectura/arte-clasico.html

Arte Gótico

2008-05-21T15:59:00.000-07:00

Arte Gótico

Notre Dame de París La catedral gótica hereda de la iglesias románicas del siglo XI su planta cruciforme, su estructura basilical de 3 o 5 naves con la central de mayor altura, el transepto y las torres. Sin embargo la versatilidad del arco ojival y la bóveda de crucería, junto con su mayor resistencia estructural, permitió a la primera arquitectura gótica superar todos sus precedentes. Notre Dame de París (1163-1250)es un magnífico exponente de la mentalidad medieval y de los logros alcanzados en el campo de la arquitectura. La bóveda del Coro tiene una altura de 33 metros, mayor que cualquier otra iglesia gótica construida hasta la fecha. Al comenzarse los trabajos en la nave principal, se decidió aumentar su altura dos metros más. Esto hizo que el sistema de contrarresto de l bóveda principal, por medio de la cubiertas de las naves laterales, resultase insuficiente. Se soluciono mediante arbotantes exteriores, característicos de la arquitectura gótica, ya utilizados a principios del siglo XII.

El Arte Gótico también se desarrollo en España, Inglaterra, Alemania e Italia.

rte paleocristiano

2008-05-21T15:51:00.000-07:00

El arte paleocristiano hace referencia al arte que floreció en el periodo temprano del cristianismo, es decir, en el tiempo transcurrido entre su aparición como hecho religioso-cultural y la generalización de esta doctrina por todo el territorio ocupado por la tradición romana. En su desarrollo cabe distinguir dos etapas, separadas por el Edicto de Milán, en el 313. La primera comprende la época en que el cristianismo se desarrolla clandestinamente bajo el imperio romano, siglos I al III. La segunda etapa comienza a partir de la citada fecha, cuando Constantino declara al Cristianismo como religión del Imperio Romano. Este período no se cierra con la destrucción del Imperio Romano de Occidente en el 476, pues tanto en Oriente, donde se funde con las formas iniciales del Arte Bizantino, como en Occidente, donde coexiste con el arte de los pueblos bárbaros, el arte paleocristiano persiste como tal, hasta entrado el siglo VII.

Los orígenes del arte cristiano, que iba a ser el de toda la Edad Media, están relacionados con Oriente y Egipto. Roma aparece solo con rotundidad en los frescos de las catacumbas y en los relieves de los sarcófagos, que si bien son ejecutados en Roma y en Occidente, su iconografía revela, por lo menos para la interpretación de los asuntos, un origen oriental. Y es que el civis romanus era todavía hebreo, sin contaminación de latinidad. Hay que tener en cuenta que en el siglo segundo, los cristianos de Oriente deberían ser el elemento predominante en las iglesias romanas.

El conocimiento del arte cristiano se inicia través de la pintura de las catacumbas, pues es un hecho claro que no existe una arquitectura anterior al impulso creador de Constantino y sus arquitectos. Hasta la paz de la Iglesia no se encuentra una arquitectura cristiana que constituya tipos artísticos concretos y tenga en ellos su funcionalidad litúrgica explícita y apropiada. Las primeras iglesias en Roma estaban en los hogares de cristianos. San Pablo, el Apóstol, mencionó tales iglesias en Romanos 16, 3-5 donde él saludó a Prisca y Aquila y ‘a la iglesia que está en su casa’. Toda la Iglesia preconstantiniana se resume en los famosos titulus romanus, que significaba inscripción en piedra, y en donde el nombre del dueño estaba generalmente inscrito en una losa de la puerta, por el que se identificaban. Llamada también loca ecclesiasticae o domus eclesiae, desde el siglo, III estos locales eran propiedad de las comunidades y estaban situados en edificios privados, sin que se visualizara ningún rasgo constructivo externo. Este estado de clandestinidad y de silencio, va a cambiar radicalmente con el Edicto de Constantino en el 313 y con el proteccionismo del Emperador y su familia, en especial de su madre Santa Elena, al desarrollar una política directora de la Iglesia que llevará a la monarquía teocrática. Podemos decir que el siglo IV es el momento un tanto explosivo de la arquitectura cristiana por impulso Imperial en Roma y en otros lugares alejados, como son Palestina y Constantinopla, sin olvidar Tréveris, ciudad del oeste de Alemania o Aquilea, ciudad del noroeste de Italia, cerca del Adriático. Pero este momento no creará tipos fijos y seguros de arquitectura. Esto llegará en la segunda mitad del siglo IV, cuando en Roma se repitan, hasta convertirlas en norma, ciertas estructuras basilicales como San Pedro y San Pablo, fijando arquitectónica y litúrgicamente, las variantes creadas por los arquitectos constantinianos. A mitad del siglo IV, Milán adquiere gran importancia por Galileo y por albergar la corte hasta finales del siglo V, que será trasladada a Rávena por Honorio. El arte iniciado en Milán tendrá un gran propulsor en San Ambrosio, gran Obispo y pensador, que lo llevará a nuevas y transcendentes creaciones arquitectónicas de amplia difusión en Italia del Norte, la Provenza y Norte de Hispania.

En un principio, a lo largo del siglo IV, el poder de los emperadores es absoluto. Será el propio Constantino el que inicie una política constructiva, levantando enormes iglesias conmemorativas en los lugares sagrados del cristianismo. (Roma y Constantinopla). El mismo Constantino convierte a Constantinopla en capital del Imperio. A veces, estas basílicas están asociadas al propio conjunto palacial. Por lo general, estas primeras iglesias cristianas responden a unas mismas características y posiblemente toman el modelo de edificaciones romanas de carácter utilitario e ideológicamente neutro, aunque se discute y es dudoso este origen de la basílica. Se la cree también derivada de la casa romana, de la sinagoga o de las basílicas de culto oriental.

Hay que destacar que los dos monumentos únicos de tipo profano construidos por Constantino en Roma, en lugar de traernos la solución que demandábamos del enigma de procedencia, nos confunden, porque uno, la basílica de Majencio, es abovedada, y el otro, el Arco Triunfal de Constantino, es de tipo tradicional, con sus tres puertas y sus entablamentos del más estricto estilo helenístico romano. Cabe pensar ¿vacilaba el Emperador? ¿Oscilaban sus funcionarios y arquitectos entre la construcción de techo plano adintelado y la construcción de bóvedas con empujes que requieren organizar el edificio en un sistema de fuerzas y contrafuertes? Es probable que adoptaran uno u otro, según las circunstancias.

También de la época de Constantino, cubiertas con techumbre plana de madera y casetones, son las dos monumentales basílicas construidas en los lugares donde sufrieron martirio los apóstoles San Pablo y San Pedro. Una en la vía Ostiense, donde fue decapitado San Pablo, la otra se elevó sobre las ruinas del circo de Nerón, donde fue crucificado San Pedro, y se encontraba su sepulcro, según cierta tradición. De ambas ha llegado suficiente documentación de las sucesivas transformaciones hasta una época que permitió estudiarlas. La de San Pablo sufrió un incendio en 1850, pero fue reconstruida en su tipología basilical, al menos, y la de San Pedro, aunque derribada en el siglo XV porque estaba ruinosa y para dejar sitio a la Iglesia actual, se tuvo cuidado de medirla y dibujarla con todos sus detalles. No queda, por tanto, duda alguna de que las Iglesias de San Pedro y San Pablo en Roma eran de planta basilical con naves separadas por columnas.

Según algunos autores, sin embargo, la pregunta de por qué Constantino adoptó con preferencia planta basilical rectangular en la mayoría de las Iglesias que construyó, se contesta, mirando una sinagoga moderna y leyendo la Constituo Apostolorum. Deducen que Constantino subvencionó y patrocinó la construcción de iglesias en Roma y en las provincias, pero eran los obispos de las localidades los que cuidaban de los detalles de la forma de la planta. continuacion >>>>>

Arte islámico

2008-05-21T15:45:00.000-07:00

Arte islámico. Orígenes y características:
Dos rasgos dominantes del arte y la arquitectura islámicas, la importancia de la decoración caligráfica y la composición espacial de la mezquita, estuvieron íntimamente ligados a la doctrina islámica y se desarrollaron en los primeros tiempos de su religión. En Medina, Mahoma reunió a un grupo de creyentes para celebrar la oración comunitaria. La casa de Mahoma consistía en un recinto cuadrado de muros de adobe abierto a un patio, rematado por un soportal o cobertizo en el lado sur. En el muro oriental se levantaron las habitaciones de las mujeres del Profeta, volcadas hacia el patio, donde se reunían los fieles para orar bajo las directrices de Mahoma, que se subía en un estrado para dirigirles. En esta disposición se ha querido establecer el origen de las futuras mezquitas, que suelen presentar un patio interior (sahn) rodeado de pórticos (riwaqs) y un espacio cubierto (haram), articulado mediante naves de columnas y delimitado por la quibla, el muro que señala la dirección de La Meca.

Influencias del arte islámico:Los primeros seguidores de Mahoma fueron pueblos nómadas procedentes de la península Arábiga, con escasas tradiciones artísticas, en contraste de los imperios que conquistaron posteriormente. A medida que se expandió, el islam asimiló las distintas tradiciones culturales y artísticas de los pueblos sometidos, instaurando así un estilo artístico propio, que varía de acuerdo con las diversas áreas climáticas o los materiales disponibles. Algunos motivos adaptados de otras culturas se convirtieron en temas universales del mundo islámico. El arte islámico evolucionó a partir de muchas fuentes, como las romanas, paleocristianas o bizantinas, que se entremezclaron en su primera arquitectura, el arte persa Sasánida y los estilos del centro de Asia, incorporados a través de las incursiones turcas y mongolas. El arte chino constituyó un ingrediente esencial de la pintura, la cerámica y las artes textiles.
Desarrollo histórico:El desarrollo del arte islámico desde el siglo VII al XVIII se divide en tres periodos.

El periodo de formación, que coincide aproximadamente con el califato Omeya (661-750), bajo cuyo mandato el territorio islámico se extendió desde Damasco (Siria) hasta España;
el periodo medio que abarca la época de los califas Abasíes (750-1258), establecidos en Bagdad (Irak), hasta la conquista mongola,
y el periodo que transcurre entre esta conquista y el siglo XVIII.

Dentro de esta secuencia se pueden discernir, en las diferentes partes del mundo islámico, diversos estilos artísticos asociados a las correspondientes dinastías de gobernantes. Además de aquellos relativos a las grandes dinastías Omeya y Abasí, cabe mencionar otros estilos, como el de los turcos Selyúcidas, que gobernaron Irán desde mediados del siglo XI a 1157; el de los kánidas, pueblo mongol que controló el este de Irán de 1256 a 1349; los Timuríes, grandes mecenas de la cultura iraní, instaurados al oeste de Irán entre 1378 y 1502 y los Safawíes, gobernantes de la totalidad de Irán de 1502 a 1736. El arte islámico también floreció bajo los turcos otomanos, que dirigieron Turquía de 1299 a 1922 y extendieron su imperio por Egipto y Siria en el siglo XVI. En el noreste africano destacan estilos relacionados con el reinado de los fatimíes (909-1171) y con el de los mamelucos, que controlaron estos territorios desde 1250, mientras que en el Magreb y el sur de la península Ibérica cabe mencionar el apogeo de las tribus bereberes, los almorávides y los almohades, así como la dinastía Nazarí del reino de Granada.

Arquitectura:
El escaso ritual del culto islámico dio lugar a dos tipologías de carácter religioso: la mezquita (masjid), recinto donde la comunidad se reúne para orar, y la madrasa o escuela coránica. Dentro de la arquitectura civil destacan los palacios, los caravasares y las ciudades, en las que se consiguió un planeamiento racionalizado de acuerdo con las canalizaciones de agua y la protección frente al calor. Otro edificio importante en el islam es el mausoleo, enterramiento de un gobernante y símbolo de su poder terrenal. Todos estos edificios religiosos y seculares tienen numerosos elementos estructurales y decorativos en común. Mezquitas El muro de la quibla indica la dirección hacia la que los musulmanes deben dirigir su oración, la ciudad santa de La Meca. Para diferenciarla del resto de las paredes del templo se abre en ella un pequeño ábside o nicho llamado mihrab, similar al altar cristiano pero sin su contenido simbólico. El resto de las sala de oración es un espacio techado indiferenciado, dividido en ocasiones por series de arquerías sobre columnas, paralelas o transversales al muro de la quibla. Esta disposición, heredada de las basílicas paleocristianas y transformada por el culto musulmán en la tipología conocida como mezquita hipóstila, evita las articulaciones espaciales jerarquizadas, características de sus antecesoras cristianas. Otra de las novedades de estas salas hipóstilas es su capacidad para crecer indefinidamente, como en el caso de la mezquita de Córdoba (España, siglos VIII-X), ampliada en numerosas ocasiones debido al aumento de la población. PatioLas mezquitas, sin embargo, mantuvieron la concepción primitiva del rezo al aire libre, en un patio rodeado de soportales que proporcionaban sombra a los fieles. Por ello la sala de oración permaneció como un espacio abierto al patio o sahn, que siguió siendo un elemento importante del conjunto, a menudo con igual o mayor superficie que la zona cubierta. En algunos casos como en las mezquitas de Córdoba o Sevilla (España) el sahn imitaba la configuración interior por medio de filas de naranjos alineados y a la misma distancia que las columnas de la sala adyacente. Además, en el patio solían aparecer dos elementos característicos: la fuente para las abluciones (sabial) y la torre para llamar a la oración, el alminar o minarete.

Minarete:En los primeros tiempos no existía el alminar, de modo que los fieles se reunían para orar sin necesidad de una llamada previa. Sin embargo, debido al aumento de la congregación, se acabó instituyendo la llamada de un muecín, a viva voz, desde la cubierta más alta del edificio. La Gran Mezquita Omeya de Damasco (705-715) es el primer ejemplo que presenta una torre o minarete, situada en una de las esquinas del patio, para realizar esta función.
Cúpula: Las cúpulas, un elemento importante de la arquitectura islámica, proceden de la arquitectura Sasánida y de las tradiciones paleocristianas. La primera mezquita monumental se conoce con el nombre de cúpula de la Roca (Jerusalén, finales del siglo VII), un espacio centralizado de planta octogonal rodeado por dos deambulatorios y cubierto por una gran cúpula. Su composición deriva de la arquitectura romana, probablemente de la mezquita del Santo Sepulcro (siglo IV) en Jerusalén. La mezquita de la Roca está decorada con mosaicos coloristas, tanto en su interior como en el exterior y alberga la piedra desde la que, según la tradición musulmana, Mahoma ascendió al cielo. El mausoleo, construido a principios del siglo X, para el gobernador de Bujoro, en Asia Central, es otro ejemplo de gran relevancia arquitectónica. Este edificio cuadrado de ladrillo posee una cúpula sobre trompas (pequeños arcos que hacen de puente en los ángulos del cuadrado para facilitar la transición hacia el espacio circular de la cubierta), derivadas del Irán Sasánida en lugar de las tradicionales pechinas (secciones esféricas triangulares) propias de la arquitectura bizantina.Bajo los otomanos las mezquitas se construyen siguiendo la tradición bizantina. De este modo, la magnífica mezquita de Selimiya (1569-1574) en Edirne (Turquía), obra del arquitecto turco Sinan, posee una colosal cúpula precedida por un patio porticado, donde se multiplican las pequeñas cúpulas y semicúpulas. La composición es similar a la de la basílica de Santa Sofía en Constantinopla (actual Estambul, Turquía), el ejemplo más significativo de la arquitectura bizantina, que luego fue convertida en mezquita. Esta forma -que Sinan también empleó en la mezquita de Solimán- influyó en el diseño de otras mezquitas de Oriente Próximo y la India. Iwan En las mezquitas Abasíes de Irak, aunque se mantiene la tipología hipóstila siria, se va imponiendo el modelo formado por un patio central al que comunican los diversos iwanes o salas abovedadas que se abren a través de grandes arcos. Esta disposición tiene su origen en la arquitectura del Irán Sasánida.
Arco apuntado:Aunque el arco de herradura está estrechamente ligado a la arquitectura islámica, su origen se remonta al Imperio romano. Los visigodos de la península Ibérica lo emplean en numerosas ocasiones, y sus invasores Omeyas lo adaptaron finalmente para las construcciones musulmanas. Otro de los arcos empleados por los arquitectos islámicos fue el apuntado, de origen sirio-romano y también recogido por la dinastía Omeya, aunque más tarde se difundió por el califato de Bagdad. Desde allí se transmitió hacia África, y los pueblos bereberes del Atlas lo exportaron hacia sus territorios españoles, donde se conservó entre los artífices mudéjares que, a su vez, extendieron su empleo por Latinoamérica.
Mimbar y maqsura:El mimbar o púlpito se utilizó por primera vez en la mezquita de Medina. Al principio se empleaba como estrado, pero pronto se convirtió en un verdadero púlpito para la predicación del imán. Otro de los elementos característicos de las mezquitas es la maqsura, un espacio acotado por arquerías situado delante del mihrab y decorado con mayor riqueza. Es un ámbito destinado a los gobernantes de la comunidad con el fin de protegerles de sus enemigos, especialmente después de que varios de los primeros califas fueran asesinados por la espalda durante la oración. Madrasas Bajo los Abasíes se introdujo en Irán una nueva tipología de edificio religioso, la madrasa o seminario religioso. Su forma, basada en la arquitectura Sasánida, dio lugar a un nuevo tipo de mezquita que se difundió rápidamente por numerosos países. La madrasa y la mezquita-madrasa están configuradas por iwanes, es decir, salas emplazadas en los ejes de un rectángulo que se abren con grandes arcos a un patio central. Las madrasas suelen disponer de habitaciones en torno al patio dedicadas al estudio o a los dormitorios de los estudiantes. En algunos edificios del último periodo, el patio está cubierto por una gran cúpula. A partir del siglo XI fueron elegidos por califas y emires para construir sus mausoleos. La mezquita del Viernes (donde se congrega el mayor número de fieles de una ciudad) de Ispahan (siglo XI, Irán), es el primer ejemplo de mezquita-madrasa. En este edificio, como en muchas tumbas del mismo periodo, aparece la decoración a base de mocárabes, especie de estalactitas o formas prismáticas que penden de las bóvedas o arcos. Entre los ejemplos tardíos de mezquita madrasa destacan, también en Ispahan, la Masjid-i-Sha, en la que el iwan principal está coronado por una elevada cúpula apuntada y la Lutfullah, con otra cúpula recubierta con espléndidos azulejos.

Arquitectura civil: Durante la época de los Omeyas y primeros Abasíes, los príncipes de las familias construyeron varios palacios en el desierto de Siria e Irak. Algunos de ellos estaban rodeados por terrenos de caza -como los de los últimos reyes Sasánidas- y otros disponían de baños abovedados derivados de la arquitectura tardorromana, que también se aprecia en su empleo como villas o explotaciones agrícolas. Por ello, estos palacios supusieron una síntesis entre las tradiciones orientales y occidentales, característica del primer arte islámico. Al mismo tiempo demostraban una cierta libertad frente a las recomendaciones contra el arte figurativo, que no llegaban a alcanzar connotaciones prohibitivas en el Corán pero sí en los hadit (tradiciones orales) del siglo IX. Los palacios Omeyas estaban decorados con mosaicos, pinturas murales y estucos, representando animales, escenas cortesanas o al propio califa. Esta decoración deriva en gran medida de la tradición Sasánida.En el periodo medio, el mundo islámico produjo los mejores frutos de su civilización urbana. Con la invasión de los mongoles, no obstante, muchas ciudades fueron destruidas o reducidas a pueblos, y se perdieron los ingeniosos sistemas hidráulicos que las permitían existir. Bajo los Abasíes se fundó en medio del desierto, cerca de Bagdad, una ciudad administrativa llamada Samarra, que no llegó a terminarse. Samarra ocupaba una extensión de 175 hectáreas rodeada por una enorme muralla, contaba con jardines, palacios, edificios administrativos, una mezquita, baños y cuarteles. Los edificios residenciales estaban decorados con pinturas figurativas, pero los motivos ornamentales más delicados están tallados en estuco, siguiendo esquemas geométricos de origen turco. Todas estas ciudades de nueva planta, como Samarra, El-Fustat (cerca de El Cairo y conocida por excavaciones) o Medinat al-Zahara, cuentan con importantes infraestructuras como acueductos y redes de alcantarillado. Otro de estos palacios-ciudades del mundo islámico fue la ya citada Medinat al-Zahara en las cercanías de Córdoba (España), edificada por el primer califa cordobés Abd-al-Rahman III de la dinastía Omeya huida desde Siria hasta al-Andalus y destruida por las tribus bereberes en el siglo XI. La tradición islámica de los palacios-ciudades se mantuvo en el norte de África, en Estambul, donde los turcos otomanos comenzaron en 1454 la construcción del palacio Topkapi, y en el reino Nazarí de Granada (España), con el magistral palacio de la Alhambra. El conjunto de la Alhambra está formado por un fortaleza o alcazaba y por el palacio real. A su vez, el núcleo principal del palacio está constituido por una zona oficial en torno al patio de Comares y otra residencial abierta al patio de los Leones. En el centro de este último aparece una fuente sobre figuras de leones con surtidores en sus bocas. El mismo tema del león se repite en la escultura de bronce de pequeño formato y en numerosos recipientes cerámicos (véase más abajo Artes decorativas). En Irán los últimos grandes constructores fueron los Safawíes, cuya contribución a la arquitectura civil incluye puentes, campos de polo y palacios con miradores de madera. En el palacio de Abbas I se construyó una galería de arte para albergar su colección de porcelanas chinas. Los caravasares fueron una contribución Selyúcida. Son lugares de descanso para los viajeros de las rutas de caravanas y cuentan con una sala de columnas o apadana y un patio para los animales. Otros edificios destacados de la arquitectura civil islámica fueron los baños públicos, bazares, jardines y ribats o guarniciones fronterizas, como los que se conservan en Túnez.
Tumbas y mausoleos: Las tumbas y los mausoleos, levantados como símbolos del poder de los gobernantes fallecidos, se convirtieron en los monumentos más importantes del islam después de las mezquitas y los palacios. Entre los ejemplos más destacados se halla la necrópolis de las afueras de El Cairo, que presenta tumbas cupuladas construidas por los mamelucos en el siglo XV. La necrópolis Sah-i-Zindeh (siglos XV y XVI) erigida por los Timuríes en Samarcanda, es un impresionante grupo de edificios de ladrillo cubiertos con esbeltas cúpulas sobre tambores, como la tumba de Tamerlán. En Irán, bajo la dominación mongola, se desarrolló un tipo característico de enterramiento cuyo ejemplo más brillante es el gran mausoleo de Sultaniyah (siglo XIV), cuya cúpula se eleva aún más por la inclusión de un tambor octogonal. En relación a este tipo, la obra más representativa del periodo mongol (o mogol) en la India es el famoso Taj Mahal, en Agra, un mausoleo construido en el siglo XVII por arquitectos iraníes.
Decoración arquitectónica: El estuco, el ladrillo y el azulejo se usaron como elementos decorativos en los edificios islámicos. Los Selyúcidas añadieron la cerámica vidriada (véase más abajo Cerámica). La superficie de los mihrabs, con sus bandas de inscripciones coránicas, se realizaron en estuco tallado o barro vidriado. Los paneles murales se adornaron con motivos decorativos de lacería geométrica sobre azulejos. En la arquitectura de los Timuríes y en la Córdoba califal, los mihrabs se recubrieron con teselas de mosaico de colores brillantes. Los turcos fueron destacados productores de cerámica. En el Irán Safawí, la mayor parte de los edificios públicos se decoraron con azulejos. La gama cromática incluyó el dorado y el verde, que se aplicaban mezclados en vez de por separado, como se hacía anteriormente.Las celosías de madera tallada, en ocasiones con incrustaciones de marfil, también proporcionaron un soporte para la decoración arquitectónica en el mundo islámico. Se emplearon en macsuras, mimbares, ventanas, pantallas y puertas. Los relieves de piedra y de mármol se encuentran en lugares tan distantes como Turquía, Egipto y España.Artes decorativasLa proscripción de la temática figurativa, contenida en los hadit, es similar a la iconoclasia desarrollada durante el periodo del Imperio bizantino.Estas prohibiciones o recomendaciones se seguían estrictamente en el caso de la arquitectura religiosa, como en el caso de las mezquitas, pero la arquitectura civil las transgredía en numerosas ocasiones, dependiendo en cualquier caso de la ortodoxia del gobernante de turno. En el palacio de Msatta (principios del siglo VIII) en el desierto sirio, se aprecia una clara distinción entre la decoración de las dependencias laicas y las religiosas. Los relieves situados en la zona de la mezquita son totalmente abstractos, mientras que los del resto del edificio presentan decoración figurativa zoomórfica. De todos modos, la representación de figuras humanas y animales se hace de forma convencional y con finalidad estrictamente decorativa. Por otro lado estas limitaciones supusieron un acicate para el desarrollo de un repertorio basado en diversas formas y motivos, como la epigrafía (inscripciones caligráficas), el ataurique o decoración vegetal estilizada (arabescos) y la decoración geométrica o de lacería.
Autor:
Extraído de: www.multired.com/ambiente/dimarmar

Arquitectura Románica

2008-05-21T15:43:00.000-07:00

Desde el punto de vista exclusivamente arquitectónico el románico fue un esfuerzo continuo en construir templos perdurables con la mayor grandeza posible pero evitando su posible destrucción. En este empeño la arquitectura románica siguió un proceso evolutivo continuo de perfeccionamiento y de resolución de problemas tectónicos en busca de la altura y la luz.

Para ello el material empleado debía ser piedra fundamentalmente, aunque no se renunció a otro materiales como luego veremos. Otra condición ideal era que el templo debía estar abovedado. Esto era por dos razones: la primera, por dar mayor relevancia simbólica al edificio y otra, más práctica, para evitar los incendios que los techos de madera sufrían con cierta frecuencia.

Estos deseos llevaron a los arquitectos románicos a construir sus iglesias con grandes muros macizos de piedra que pudieran soportar los enormes pesos de las bóvedas. Los vanos, aunque deseados por el simbolismo de la luz, fueron practicados de manera más escasa que en el gótico -vanos estrechos y saeteras- pues suponían frecuentemente menoscabo de la resistencia de los muros. Como consecuencia secundaria, el interior de los templos románicos se envuelven en una tamizada luz que invita al recogimiento.

El sistema de empujes y contrarrestos de las bóvedas -mediante columnas, pilares, contrafuertes, otras bóvedas, etc.- se convirtió en el principal problema ingenieril a resolver y que no siempre se hizo con acierto, como sabemos por innumerables derrumbamientos producidos en diferentes épocas.

El templo tipo de la arquitectura románica

A groso modo, un templo románico es un edificio de piedra labrada orientado al este con una o varias naves longitudinales que podían tener otras atravesadas (se verá en el siguiente apartado). En ocasiones, la fachada o hastial occidental estaba precedida de un nártex o antesala abovedada monumental. mas>>>>

Arte Arquitectónico

2008-05-21T15:41:00.001-07:00

El diseño arquitectónico fino inspira ilustraciones de la alta calidad.

Las ilustraciones se pueden construir como elementos dentro del edificio o pueden estar en el reino más tradicional de los artes finos de pinturas, de dibujos o de la escultura.

Esta demostración combina ambos para demostrar que comparten la tierra común y son dignos de la exhibición pública en elevar y una manera honorable, para su disfrute.

La exposición ofrece Walter Gordinier, Susan McCracken, Katherine Linn, Culver cristiano, vonRoenn de Kenneth F., Jr., popa de Arturo, Christina Lihan, ganadores del diseño de AIA 2005.

El objeto expuesto dentro del pergola es una muestra de mezclar de los artes finos y de los artes aplicados, similar al arte arquitectónico.

La fundación para los artes de la comunidad desea ampliar este objeto expuesto con más ilustraciones y presentar esto en un lugar apropiado en los meses que vienen.

Es presentada por la fundación para los artes de la comunidad con el capítulo de Georgia del instituto americano de arquitectos.

fuente: http://www.dexigner.com

ARQUITECTURA

2008-05-21T15:22:00.000-07:00

Arquitectura

Universidad Católica de Honduras
Facultad de Arquitectura. Tegucigalpa, Honduras.
En español.

Universidad de San Pedro Sula
Carrera de Arquitectura. San Pedro Sula, Honduras.
En español.

Universidad José Cecilio del Valle
Universidad privada, fundada en 1978. Tegucigalpa, Honduras.
En español.

Universidad Nacional Autónoma de Honduras
Estudios de Arquitectura. Honduras.
En español.

Universidad de San Carlos de Guatemala
Su Facultad de Arquitectura se fundó el año 1958. Ciudad de Guatemala, Guatemala.
En español.

Universidad del Istmo
Facultad de Arquitectura y Diseño. Guatemala.
En español.

Universidad Mariano Gálvez de Guatemala
Licenciatura en Arquitectura. Privada. Guatemala.
En español.

Universidad Rafael Landivar
Facultad de Arquitectura y Diseño. Universidad privada. Guatemala.
En español.

Benemérita Universidad Autónoma de Puebla
Facultad de Arquitectura. Puebla, México.
En español.

Instituto de Estudios Superiores de Chiapas
Licenciatura de Arquitectura. México.
En español.

Instituto Politécnico Nacional
Estudios de Arquitectura. México, D.F., México.
En español, francés.

Instituto Superior de Arquitectura y Diseño
Estudios de Arquitectura. Chihuahua, México.
En español.

Institulo Tecnológico de Acapulco
Estudios de Arquitectura. Acapulco, México.
En español.

Instituto Tecnológico de Durango
Centro público de educación superior. Licenciatura de Arquitectura. México.
En español.

Instituto Tecnológico de Monterrey
Estudios de Arquitectura. Monterrey, México.
En español.

Instituto Tecnológico de Tijuana
Estudios de Arquitectura. México.
En español.

Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente - ITESO
Estudios de Arquitectura. Tlaquepaque, México.
En español.

Instituto Universitario Puebla
Licenciatura de Arquitectura. México.
En español.

Universidad Americana de Acapulco
Facultad de Arquitectura. Acapulco, México.
En español.

Universidad Anáhuac
Estudios de Arquitectura. México.
En español, inglés.

Universidad Autónoma de Chiapas
Facultad de Arquitectura. México.
En español.

Universidad Autónoma de Ciudad Juárez
Instituto de Arquitectura, diseño y arte. Ciudad Juárez, Chihuahua, México.
En español.

Universidad Autónoma de Coahuila
Entidad pública ubicada en Saltillo. Escuela de Arquitectura. México.
En español.

Universidad Autónoma de Guadalajara
Colegio de diseño arquitectónico. Guadalajara, Jalisco, México.
En español.

Universidad Autónoma de Guerrero
Estudios de Arquitectura. Guerrero, México.
En español.

Universidad Autónoma de Nuevo León
Facultad de Arquitectura. Nuevo León, México.
En español.

Universidad Autónoma de San Luis Potosí
Estudios de Arquitectura. San Luis Potosí, México.
En español.

Universidad Autónoma de Veracruz Villa Rica
Estudios de Arquitectura. Boca del Río, Veracruz. México.
En español.

Universidad Autónoma de Yucatán
Estudios de Arquitectura. Yucatán, México.
En español.

Universidad Autónoma del Estado de México
Licenciatura en Arquitectura. México.
En español.

Universidad Autónoma del Estado de Morelos
Licenciatura de Arquitectura. México.
En español.

webs
http://www.buscadorarquitectura.com/
http://mit.ocw.universia.net/Architecture/index.htm
http://www.arquitectura.com/
http://www.todoarquitectura.com
http://www.arteyarquitectura.com

Concreto traslúcido

2008-05-21T15:14:00.000-07:00

Los días del hormigón gris y oscuro están quedando atrás. El arquitecto húngaro Áron Losonczi ha mezclado cemento, el material más popular del mundo, con fibra óptica, para crear un nuevo tipo de hormigón que permite el paso de la luz.

Una pared realizada con este material, denominado ‘Litra Con’, tiene la solidez y resistencia del hormigón tradicional y además, gracias a las fibras de cristal que se le han incorporado, tiene la posibilidad de permitir visualizar las ’siluetas’ del espacio exterior.

‘Miles de fibras ópticas forman una matriz, y corren entre si en forma paralela, entre las dos superficies principales de cada bloque’, explica el arquitecto Áron Losonczi. ‘Las sombras provenientes del lado más iluminado aparecerán en el más oscuro destacando su contorno. Incluso los colores se seguirán percibiendo iguales. Este efecto especial permite generar la sensación de que el peso y el espesor de un muro de hormigón ‘desaparece’.
Se espera que este nuevo material transforme el aspecto interior de los edificios de hormigón, brindándoles la posibilidad de que se perciban más luminosos y aireados, en lugar de oscuros y pesados como la imagen que ofrecen los de hormigón tradicional.

fuente : http://www.blogarquitectura.com/

Un sitio 'web' concentrará todos los libros de Argentina

2008-05-21T15:12:00.000-07:00

EFE

BUENOS AIRES.- Todos los libros publicados en Argentina estarán disponibles en un sitio de Internet presentado como "la página de las páginas", (http://www.librosar.com.ar) ya que contará con información detallada de más de 170.000 títulos.

El objetivo del proyecto, en el que participan 13 instituciones públicas y privadas, es ofrecer un panorama completo de la oferta editorial nacional mediante un sistema ágil de búsqueda y divulgación.

En principio el portal contendrá las obras editadas a partir de 1982, cuando Argentina se incorporó al International Standard Book Number (ISBN), el registro internacional con sede en Alemania, pero cada año se incrementará con unos 17.000 nuevos títulos.

El nuevo sitio se presentó un día antes de la inauguración de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, que es la mayor de Latinoamérica y en su trigésima edición pondrá a disposición del público más de un millón de ejemplares.

"El portal es el proyecto más ambicioso que ha tenido el sector en los últimos años y va a ser una herramienta fundamental para el desarrollo del libro en Argentina y el exterior", dijo el presidente de la Cámara Argentina del Libro, Hugo Levin.

Además de aclarar que la página de Internet "no tiene una faz comercial sino que está pensada como un servicio", explicó que los usuarios podrán buscar libros por el nombre, el autor, el año de edición o el número de ISBN.

Posibilidad de más servicios

La información sobre las ediciones anteriores a 1982 se complementará con las bases de datos de la Biblioteca del Congreso de la Nación y de la de Maestros, que firmaron sendos convenios con la Cámara Argentina del Libro para ese fin.

En una segunda etapa, el sitio posibilitará hacer negocios 'on line', registrar nuevos títulos, localizar ediciones ausentes de los puntos de venta y ubicar libros y autores en las bibliotecas y librerías más próximas.

Levin señaló que, además de estar dirigido al público en general, el portal apunta a satisfacer las necesidades de información de "editores, distribuidores y libreros, bibliotecarios, investigadores, profesores y estudiantes".

Además, los responsables del proyecto destacaron que la sistematización de toda la información proveniente del ISBN permitirá aprovechar a fondo el total de la oferta editorial local, que hoy se utiliza apenas en un 2% o 3%.

Añadieron que actualmente alrededor de un 30% de los editores no son conocidos ni para los profesionales ni para el público.

Galería artelibre

2008-05-21T15:08:00.000-07:00

Galería artelibre nace con la ilusión de dar a conocer el Arte por el Arte, dando cabida a todos los artistas que quieran exponer en ella.

Pretende mostrar a todo tipo de artistas, estilos y tendencias, promocionando y dando a conocer sus obras.

artelibre quiere ser un punto de encuentro de personas que aman el arte

En nuestra galería podrás promocionar y dar a mostras tus obras mas facilmente.

Visita nuestra sección de libros propios, lugar que deseamos ir ampliando y publicando nuevas ediciones.

ARTE EN LA WEB

2008-05-21T15:05:00.000-07:00

ARTE EN LA WEB

All-sa. Revista de arte y antigüedades en Internet

Arte en Barcelona

Arte en la red

Arte y creatividad. Punto de encuentro para artistas

Artecom. Portal de arte

Arterealidad. Plataforma del arte y la cultura en la red

Centrodearte. Arte contemporáneo de las Américas, España y Portugal

Completart. El portal del arte

Documentarte. Fondo documental de arte contemporáneo

Enfocarte. Revista digital

Fotocoleccionista. Fotografía contemporánea

Globartis. Gabinete de arte

Hispanart. El portal del arte

Masdearte. Portal de arte

Navegart3000. La web de las galerías de arte

Netpainting. Pintura en la red

PicassoMio. The european source for contemporary art

Serviart. La feria de los profesionales del arte

Spanish Printmakers. Contemporary graphic work "made in Spain"

Ubicarte. Portal de arte

W1arte. Galería virtual de arte

W3art. El portal de arte contemporáneo en castellano

GALERÍAS DE ARTE

2008-05-21T15:02:00.000-07:00

GALERÍAS DE ARTE

Antonio Machón

Asociación de Galerías de la Comunidad Valenciana

MUSEOS

2008-05-21T15:01:00.000-07:00

MUSEOS

CAC Málaga. Centro de Arte Contemporáneo de Málaga

CGAC. Centro Galego de Arte Contemporánea

CDAN. Centro de Arte y Naturaleza

IVAM. Instituto Valenciano de Arte Moderno

Museo de Bellas Artes de Bilbao

Museo de San Telmo

Museo del Prado

Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC)

Museo Guggenheim. Bilbao

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Museo Thyssen-Bornemisza

Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

Museu d'Art Modern de Tarragona

Museu de Arte Contemporânea de Serralves

Arte Digital Producciones

2008-05-21T14:51:00.000-07:00

Arte Digital Producciones es una productora de medios audiovisuales, que nace en 1997 con el propósito de satisfacer las necesidades de comunicación existentes en el mercado.

Durante los primeros años, se especializó en servicios de Internet, Multimedia y Animación 3D, ofreciendo a los clientes un producto de máxima calidad que les proporcionase una comunicación más dinámica.

En los años siguientes, Arte Digital Producciones ensancha su área de actividad con la producción de todo tipo de vídeos. Este servicio, combinado con los anteriores, proporciona un enorme variedad de productos que ofrecer al cliente.

Más de diez años en el sector audiovisual avalan una fórmula de entender la comunicación: Inspiración + Tecnología.
Una fórmula que, por otra parte, nos permite afirmar que si sale por una pantalla, sabemos hacerlo.

Arte Religioso

2008-05-21T14:48:00.002-07:00

Artistas

Bosh, Hieronimus: "El Bosco"
Chagall, Marc:
- Pintura religiosa
Gaudi: El "Arquitecto de Dios"
- Biografía

Goya, Francisco de
- Biografía

Matisse, Henri
- Biografía

Iconos Religiosos Bizantinos y Rusos

Honran en EEUU a un chino que salvó a miles de judíos del Holocausto

2008-05-21T14:48:00.001-07:00

WASHINGTON (AFP) - Las heroicas acciones de un diplomático chino que salvó a miles de judíos del Holocausto al concederles visados para huir de la Austria nazi son honradas en una exposición en el Congreso de Estados Unidos. Más »

San Sebastián acogerá la mejor colección europea de arte latinoamericano

2008-05-21T14:47:00.000-07:00

San Sebastián (España), 21 may (EFE).- Una exposición mostrará este verano en el centro Tabakalera de San Sebastián (País Vasco, norte de España) una selección de los fondos de la colección Daros-Latinoamérica, considerado el proyecto más importante sobre el arte contemporáneo de América Latina en Europa. Más »

1arte.com

2008-05-21T14:33:00.000-07:00

1arte.com es una Galería Virtual de Arte dedicada a la Exposición, Promoción y Venta de obras de arte de artistas nacionales e internacionales.

La Galería se complementa con Tu arte, espacio dedicado a nuestros futuros artistas, los niños, en el que podrán exponer sus obras de forma totalmente gratuita, además de contar con secciones y actividades de interés para los mismos.

La Galería ofrece además una serie de secciones informativas e interactivas para los que ya no son tan niños. Entre las más visitadas destacan Museos y Fundaciones, Revistas, Estudios Artísticos, Concursos y Becas de arte y, como no, nuestro Foro y el Club 1arte.

La vuelta al mundo en 100.000 obras de arte

2008-05-21T13:15:00.000-07:00

La vuelta al mundo en 100.000 obras de arte

El Museo LACMA de Los Ángeles es el epítome del museo enciclopédico. Acaba de inaugurar nuevas salas.

El edificio nació en 1913, con el nombre de Museo de Historia, Ciencia y Arte de Los Ángeles. Hoy en día, después de las reformas del arquitecto Renzo Piano, se ha convertido en una magna colección, que se tardaría días, incluso meses, explorar por completo. Y es que su oferta cultural es enorme, un auténtico compendio, que abarca desde la Antigüedad hasta nuestros días y que, además de ser un ingente depósito de piezas, pretende transformar a Los Ángeles en la capital del arte contemporáneo.

Esta enciclopédica muestra se compone de cinco salas. En la primera, la Sala Ahmanson, Rembrandt, Cezanne y Degas se codean con los expresionistas alemanes y las máscaras funerarias egipcias centellean junto a cerámicas islámicas y multitud de piezas del sur y sureste asiático. La Sala del Arte de las Américas abarca la trayectoria del arte de dicho continente, desde el siglo XVIII hasta la actualidad, con una fuerte presencia de artistas latinoamericanos. Kahlo y Horner, Wilson y Riviera, aparecen rodeados de objetos mayas, aztecas, olmecas y de otras culturas precolombinas. El Japón, desde el siglo III a.C hasta el XX, es el tema de la tercera sala, en la que restos arqueológicos y grabados de la época Edo (1615 – 1868) comparten protagonismo. El edificio Hammer alberga la colección de fotografía, así como exposiciones temporales de gran trascendencia, y por último el edificio LACMA WEST, un antiguo centro comercial estilo Déc, que acogerá un nuevo centro audiovisual, equipado para llevar a cabo las exposiciones más vanguardistas. Por Isaac Hernández.

Dibujenia

2008-05-21T13:14:00.000-07:00

Dibujenia es una empresa especializada en la creación de retratos y dibujos originales al carbón, realizados a mano, tomando como muestra una o varias fotografías.
Todos nuestros dibujantes son profesionales con una sólida formación académica y amplia experiencia, capaces de crear obras de alta calidad respondiendo a las exigencias del cliente. Dibujan con la máxima seriedad y dedicación en las instalaciones de la empresa bajo el control de nuestro director artístico.

Marisa Marimón, Galería de Arte

2008-05-21T13:09:00.000-07:00

Marisa Marimón, inaugurada en 1994, difunde en Galicia las nuevas tendencias del arte contemporáneo en pintura, fotografía, vídeo, impresiones digitales, escultura y diseño a través del trabajo de artistas nacionales e internacionales de reconocido prestigio y promociona las propuestas de jóvenes promesas, completando estas actividades con la edición de catálogos.

Las Artes Plásticas en la segunda mitad del siglo XX (II)

2008-05-21T13:07:00.000-07:00

En los años setenta comienza también en Estados Unidos una revalorización de la tradición realista norteamericana y del “Preciosismo”. Con una exquisita minuciosidad, los artistas reproducen figuras y objetos con un resultado sorprendente, constituyendo el movimiento conocido como “Hiperrealismo”. A partir de ahí el objeto artístico se va a ir distanciando de la personalidad de su autor, dentro de una tendencia que intenta resultar cada vez más objetivo. Se intenta separar al autor de la obra, considerando la idea creadora como la esencia verdadera del Arte, no la forma de la misma. Es el concepto que surge en la mente del artista lo que tiene el auténtico valor artístico. Con ello aparece el “Arte Conceptual”, que incluye el “Arte en Acción”. Este es el que convierte en protagonista del arte al ser humano. Primero comenzó como “happenings” para invitar al espectador a participar en la obra, pero progresivamente se hace más complejo, con “perfomances” radicales y provocadoras como las de Joseph Beuys.

En el final de los setenta, las Neovanguardias monopolizaban la creación artística, pero poco a poco se observa un deseo de volver a técnicas y conceptos tradicionales del arte, hasta acabar confluyendo en la “Posmodernidad”, que se configura como el cuestionamiento de los principios de las vanguardias, postulando la negación de los dogmas, la defensa de lo individual, del eclecticismo, del rechazo a la separación entre arte culto y arte popular, de la ironía, el humor, defendiendo sobre todo la superioridad creativa de la emoción sobre la razón.

Una de las primeras manifestaciones de la “Posmodernidad” fue la “Transvanguardia italiana”, tendencia pictórica que defiende la vuelta a temas y técnicas tradicionales, defendiendo la creatividad del artista individual, el eclecticismo formal y el rechazo hacia los compromisos ideológicos. Debido a la defensa de la individualidad del artista no se constituye como escuela o grupo, siendo cultivado por artistas como Francesco Clemente, Ernesto Tatafiore o Sandro Chia.

En Alemania aparece el “Neoexpresionismo Alemán”, pretendiendo una recuperación de la pintura tradicional, buscando un arte más libre e intuitivo, relacionándose con el Expresionismo de primeros del siglo XX en la forma y sobre todo en la recuperación de la tradición alemana frente al Informalismo. Artistas de este movimiento son Baselitz y Kiefer.

En Estados Unidos la “Posmodernidad” carece de movimientos unitarios como los europeos, con lo que son figuras aisladas las que se decantan por esta tendencia. El arranque fue la “Bienal de Arte Americana Contemporánea” de Nueva York de 1982, en la que triunfaron dos artistas Keith Harina y J. M. Basquiat, que tienen en común el rechazo al elitismo del arte, ligándose a la estética de los graffiti. Tras la desaparición de estos jóvenes pintores (en 1990 y 1988, respectivamente), Julian Schnabel es el máximo exponente del arte actual en Estados Unidos, con una amalgama de tendencias que van desde Gaudí hasta el arte conceptual, pasando por el “Expresionismo abstracto”.

En la actualidad junto a la cada vez más madura obra de Baselitz, Chia o Schnabel, coexisten contradicciones entre artistas ambiguos como David Salle o de realismo con una fuerte carga sexual, como el de Eric Fischl.

GALERIA RITA CASTELLOTE

2008-05-21T13:01:00.000-07:00

La galeria Rita Castellote inicia su aventura en el mercado del arte madrileño, en septiembre de 2006, con la ilusion de ser un nexo de union entre los artistas contemporaneos, que estan trabajando en la busqueda de nuevas formas de transmitir emociones, y las personas que desean adentrarse en el fascinante mundo del arte del siglo XXI.

La galeria esta situada en el corazon del arte contemporaneo de Madrid , a espaldas del museo Reina Sofia, a un paso de la Filmoteca (Cine Doree) y al otro lado de la caller Huertas (Barrio de las Letras)

Zona de ebullicion cultural, abierta a la diversidad, a las nuevas esteticas y a una ciudad que vive con fuerza y casi con ansia, todo lo que sea creacion, evolucion y novedad.

Por esto estamos aqui, para formar parte de este momento.

price

2008-05-21T12:57:00.000-07:00

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Retrato de Vincent Price - Adrián Saúl - ArteLista.com

Retrato de Vincent Price, Dibujo de Adrián Saúl. retrato del mago del terror de los años 40.
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jorge banegas price, Nacido en honduras en el año 1977 viviendo actualmente en san pedro sula, ...
www.artelista.com/autor/7005415021880796-banegas%20price.html

THE FISCHER PRICE - QUIM PANEQUE FIGUEROLA - ArteLista.com

THE FISCHER PRICE, Dibujo de QUIM PANEQUE FIGUEROLA.
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Museo Centro de arte Reina Sofia

2007-11-24T11:01:00.000-08:00

la colección

Con la creación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se dio solución a la necesidad de un proyecto museístico que reflejase la contemporaneidad artística española en relación con el contexto internacional. Su colección inicial se conformó con fondos de diversa procedencia, entre ellos los del extinguido Museo Español de Arte Contemporáneo y la colección de arte del siglo XX del Museo Nacional del Prado, que contaba con el importante conjunto de obras de Pablo Picasso relacionadas con Guernica.

LOS FONDOS

Los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía abarcan obras realizadas desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Hoy, la institución cuenta con aproximadamente 16.200 obras, que dan cabida a todo tipo de técnicas artísticas: en torno a 4.000 pinturas, más de 1.400 esculturas, casi 3.000 dibujos, más de 5.000 grabados, más de 2.600 fotografías, alrededor de 80 vídeos, una treintena de instalaciones y otras tantas vídeo-instalaciones, más de 100 piezas de artes decorativas y 30 de arquitectura. De ellas, sólo se exhibe formando parte de la exposición permanente una selección de aproximadamente un 2%. La Colección del Museo se configura actualmente como cauce donde fluye el relato de la modernidad artística española y su interacción con los discursos y las prácticas que vienen definiendo el quehacer artístico en el ámbito internacional, concibiendo este relato como un espacio crítico donde se produce el encuentro entre museo y sociedad.

Son varios los núcleos de extraordinaria calidad y densidad que otorgan una identidad singular a la Colección. Destacan los constituidos alrededor de los grandes artistas españoles que contribuyeron decisivamente a la configuración de los lenguajes plásticos de la modernidad y al posterior desarrollo del arte español, como Picasso, Juan Gris, Miró, Dalí o Julio González. A su lado, figuran también otros momentos generadores del discurso moderno y que han dejado una importante huella en la experiencia estética de nuestro país, como las corrientes informalistas, la abstracción geométrica posterior a los años cincuenta, las diversas manifestaciones del Pop, la narración figurativa, el entorno del arte minimal, la emergencia del arte conceptual, del videoarte, y la pluralidad de lenguajes que definen la escena artística más actual.

LA COLECCIÓN PERMANENTE

Contando con el doble espacio expositivo de la segunda y cuarta plantas, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra una selección de alrededor de 570 obras, con eje central en Guernica (1937) de Pablo Picasso.

El recorrido comienza en la planta segunda con una selección de obras fundamentales de las vanguardias históricas. Desde la representación realista de comienzos del siglo XX, la propuesta de las vanguardias a través de la doble vía del cubismo y del surrealismo, y el abandono progresivo de la forma representativa en busca de la abstracción, se establece un recorrido que llega cronológicamente hasta el final de los conflictos bélicos europeos del segundo cuarto de siglo.

La alta significación de Picasso, Gris, Miró y Dalí en la historia de la creación artística convierte a sus obras en referencias insoslayables de la modernidad. Alrededor de esos cuatro nombres se articulan propuestas estéticas, tendencias y trayectorias que explican el arte de la vanguardia española en su contexto nacional e internacional.

La colección se ha articulado en torno a una clasificación que agrupa las obras bajo los siguientes epígrafes:

Representaciones/Figuraciones
Cubismo. Primeras vanguardias
Picasso. El contexto de Guernica
Surrealismo

En estas secciones aparecen los grandes artistas españoles citados, acompañados de otros relacionados con ellos, tanto españoles como extranjeros. En ellas tienen cabida todas las técnicas artísticas vigentes hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, como por ejemplo la escultura post-cubista de Julio González y Pablo Gargallo, el cine de Luis Buñuel, y la fotografía surrealista de Man Ray y Dora Maar, entre otros.

En Representaciones/Figuraciones destaca la amplia presencia de artistas españoles activos a finales del siglo XIX y comienzos del XX, como Darío de Regoyos, Santiago Rusiñol, Daniel Vázquez Díaz, Ignacio Zuloaga, José Gutiérrez Solana, Hermenegildo Anglada-Camarasa, Isidro Nonell o Ramón Casas. En el apartado Cubismo. Primeras vanguardias, junto a Pablo Picasso y Juan Gris, se contempla la obra de Georges Braque, Albert Gleizes, Fernand Léger, María Blanchard, Jacques Lipchitz, Robert y Sonia Delaunay, Francis Picabia y Joaquín Torres García.

En Picasso. El contexto de Guernica se muestra la emblemática obra del pintor y sus dibujos preparatorios junto con otras obras relacionadas con aquel momento, piezas de los artistas presentes en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937, Alexander Calder, Joan Miró y Alberto Sánchez, o las fotografías de guerra de Robert Capa. En las salas dedicadas al Surrealismo, junto a trabajos de Salvador Dalí y Joan Miró, se muestran los de cerca de otros treinta artistas: Óscar Domínguez, Max Ernst, Ángel Ferrant, Magritte, Man Ray, André Masson, Roberto Matta, Tanguy, Brassaï, Dora Maar, Jean Arp, Maruja Mallo, Benjamín Palencia, Antoni Tàpies…

La segunda parte de la Colección, ubicada en la planta cuarta, se centra en autores y movimientos comprendidos entre la posguerra europea y la actualidad. En la sección denominada El arte español en el contexto del arte internacional se confronta a los españoles José Guerrero, Jorge Oteiza, Albert Ràfols Casamada, Fernando Zóbel, Gustavo Torner, Rafael Canogar, Luis Feito y Josep Guinovart con Asier Jorn, Isamu Noguchi, Cy Twonbly, Jannis Kounellis y Pier Paolo Calzolari.

El resto de las obras de esta planta aparecen reunidas bajo los epígrafes:

Abstracción, arte pop y narración figurativa
Arte Minimal y su entorno
Últimas manifestaciones artísticas

Destacan artistas, a los que, por su relevancia en el arte español y por su peso en la colección del Museo, se les ha dedicado una sala independiente. Es el caso de Antoni Tàpies, Antonio Saura, Eduardo Chillida, Jorge Oteiza, Manuel Millares y Manuel Rivera, Pablo Palazuelo, Eduardo Arroyo, Equipo Crónica y Esteban Vicente.

Entre los nombres internacionales, cabe destacar la presencia de Yves Klein y Lucio Fontana, sin olvidar a Mark Rothko, Francis Bacon, Henry Moore, Graham Sutherland, Jean Dubuffet, Cy Twombly, Jannis Kounellis, Robert Motherwell, Mario Merz, Sean Scully...

Las salas destinadas a mostrar el amplio vocabulario artístico desarrollado en las dos últimas décadas en el panorama internacional contienen obras realizadas con técnicas variadas: pictóricas, escultóricas, cinematográficas y fotográficas, instalaciones, proyecciones y videoinstalaciones, etc. de artistas nacionales e internacionales como Cristina Iglesias, Louise Bourgeois, Gerhard Richter, Bill Viola, Anish Kapoor, Juan Muñoz, Miquel Barceló, Adolfo Schlosser, Robert Mapplethorpe, Andreas Gursky…